65 / Se vienen los Intervenibles

Dos desplegables con textos de Montesquieu y de Francis Ponge para trabajar en clase utilizando diferentes técnicas. Martes 11, práctica de taller. Martes 18: operaciones sobre las piezas.

64 / Feldman + Guston + O’Hara

En la Sala Casacuberta del Teatro San Martín tuvo lugar un maravilloso concierto. Protagonista: la cantante Joan La Barbara, a quien Morton Feldman (1926-1987) dedicó Three Voices, única obra presentada en la ocasión. Three Voices (Tres voces) es una obra para soprano y dos parlantes a cada lado (una parte en vivo, más dos partes grabadas por la misma intérprete). La obra data de 1982, y es una evocación de dos amigos desaparecidos, el pintor Philip Guston y el poeta Frank O’Hara (de quien la pieza toma unos versos). En la imagen original de Feldman, las voces laterales son los muertos (Guston y O'Hara), que intercambian con el mundo de los vivos (La Barbara).
La Barbara dará otro concierto, el sábado 8 a las 20.30, en la Iglesia Sueca de Buenos Aires (Azopardo 1428). El programa lleva el título Only, —una pieza de Feldman para voz sola— e incluirá también obras de la propia La Barbara y del estadounidense Morton Subotnick.
El fragmento del siguiente poema (Serle fiel a una ciudad) es de Frank O’Hara.
Avenida A Ya difícilmente vemos la luna así que no sorprende que sea tan hermosa de pronto cuando elevamos la vista y está allí resplandeciendo con la cara rota sobre los puentes dejando fluir un suave y helado viento que aviva tus cabellos en tu frente y tus recuerdos del paisaje locomotriz de Red Grooms (...)
O’Hara buscaba provocar con palabras el efecto que los pintores lograban en sus lienzos. La imagen que acompaña esta nota es una tinta de Guston. Bello entonces: leer a O’Hara, mirar a Guston, escuchar a Feldman.

63 / Somewhere / Nowhere

El arte se hace desde el silencio. Es —por muchos motivos— extraordinaria, Somewhere / Nowhere (Algún lugar / Ningún lugar), la muestra de Félix González-Torres en el Malba. Nacido en Cuba, Félix González-Torres (1957-1996) fue uno de los exponentes clave de la escena artística internacional en los años 80 y 90. Seleccionado en forma póstuma para representar a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia 2007, su obra se exhibe año tras año en los principales museos y galerías del mundo. Se exponen algunas de sus notables series, realizadas entre 1987 y 1995, célebres por desafiar al público a tomar un rol más activo que el de mero espectador. Entre otros trabajos, se exhiben las instalaciones de caramelos y chupetines, las pilas de papel impreso (stacks), los rompecabezas, las guirnaldas de luces, las cortinas de tela y cuentas de colores y los carteles de vía pública (billboards). En el comentario de Sonia Becce (curadora ianvitada) leemos: “Una particular idea de amor es el eje que atraviesa con diversa intensidad la exposición. Se trata del amor entendido como una constelación de emociones y experiencias vinculadas con un afecto profundo, con el deseo, con el cuidado y el sentimiento de intensa atracción por otro, con el dolor por la ausencia o la pérdida del ser amado” El objeto del amor es siempre determinado y específico: sus seres queridos, su pareja, sus amigos. “A la vez, muchas de las piezas extienden ese gesto al espectador, generando una relación uno a uno, de intimidad, entre éste y la obra”, reconoce Becce. La obra de González Torres constituye una síntesis de profundas experiencias personales y agudas observaciones político-sociales, que le permiten reflexionar sobre aspectos públicos de la política y el tratamiento de las minorías marginadas. Además de cuestionar y subvertir nociones como las de propiedad privada, autoría y coleccionismo, entre otras.

62 / Heurística + Manfred Max-Neef

El pasado viernes, gracias a los buenos oficios de Chacho Pereyra, nuestros alumnos de la Cátedra de Heurística reflexionaron sobre un texto de Manfred Max-Neef. Excelente elección: la lectura de este autor chileno, filósofo y economista, Premio Nobel alternativo, nos ayuda a comprender de otro modo la forma en que usamos nuestos recursos. El texto siguiente está tomado de su libro La economía descalza. Lectura para estos turbulentos tiempos de la economía mundial. Y, además, es bueno tener en cuenta que los principios filosóficos de la ciencia económica están mucho más cerca de los del diseño de lo que suponemos.

“La economía es diseñada por los economistas. Ningún acontecimiento se convierte en acontecimiento económico a menos que calce con ciertas reglas establecidas por el economista. Como disciplina, la economía se ha convertido repentinamente en una de las materias más importantes de la actualidad. No habría nada de malo en ello si la importancia dada a la ciencia económica correspondiera realmente a su capacidad de interpretar y resolver los problemas que afectan a la Humanidad. Este no es el caso. Sus grandes abstracciones, tales como el P.N.B. (Producto Nacional Bruto), sistemas de precios, tasas de crecimiento, razón capital producto, movilidad de factores, acumulación de capital y otras, aunque reconocidas como importantes, son selectivas y discriminatorias cuando se refieren a la masa de los seres humanos.
A través de estas abstracciones la ciencia económica, en vez de convertirse en disciplina abierta, se convierte en una especie de exclusivo club. En realidad, el análisis económico sólo cubre a aquellos cuyas acciones y comportamiento están ajustados a lo que sus cuantificadores (tales como los mencionados) pueden medir. Tomando como ejemplo el P.N.B., lo que pueden medir son actividades que se generan a través del mercado, sin considerar si dichas actividades son productivas, improductivas o destructivas.
El resultado de estas limitaciones es que las teorías económicas dominantes no asignan valor a las tareas realizadas a nivel doméstico o de subsistencia. En otras palabras, estas teorías son incapaces de incluir a los sectores más pobres del mundo o a la mayoría de las mujeres. Esto significa que casi la mitad de la población mundial —y más de la mitad de los habitantes del Tercer Mundo— resultan ser, en términos económicos, estadísticamente invisibles.
Los sectores invisibles para la Historia son prácticamente los mismos que resultan invisibles para la Economía. Estos invisibles son de la mayor importancia y el hecho de que
hayan permanecido como tales por tanto tiempo no es casual.
Las razones descansan en nuestras tradiciones y evolución cultural, es decir, en la evolución de la rama cultural occidental judeo-cristiana. Trataré de demostrar este criterio en las siguientes páginas. Sólo quisiera agregar a estas alturas que estos sectores invisibles de la humanidad se han convertido en el principal interés de mi quehacer, no sólo desde un punto de vista teórico, sino también como una experiencia concreta de vida. Es por este motivo que, después de haber trabajado cierto número de años como economista puro, decidí transformarme en economista descalzo y vivir y compartir la realidad invisible.”

61 / Daniel Pennac

(...) A principios de los años 70, los profesores se limitaban a dar sermones a los malos alumnos; creían que se trataba de un problema moral. En la década del 80, se puso de moda justificarlo todo por razones psicológicas: los malos alumnos sufrían una inhibición y se encontraban desestabilizados por circunstancias personales. En los años 90, la tendencia fue atribuirlo todo a motivos de orden sociológico: se decía, por ejemplo, que el mal alumno surge de una clase social desfavorecida...
-¿Y cuál es su tesis? -El problema está en la forma de enseñar ciertas materias. Muchos docentes deberían replantearse sus métodos. En mi caso, como profesor de Lengua, tenía que hacerles entender que la gramática no es un simple conjunto de reglas, sino el instrumento con el que la humanidad consigue expresar razonamientos y sentimientos. Que los adjetivos no son abstractos, sino que proceden del deseo de precisar el significado de un nombre. Que los pronombres pueden esconder grandes misterios. Si procedemos así, en poco más de una semana el alumno descubre cosas apasionantes, pero que siempre le habían enseñado de forma normativa y aburrida.
-¿Todos reaccionan con ese entusiasmo? -No. La primera reacción siempre es: "A mí todo esto me importa un bledo". El reto es hacerles entender que la lengua es algo constitutivo, que sin la gramática no son nada. Que si no adquieren esa caja de herramientas, sus pensamientos los acabarán asfixiando en el sentido físico del término, porque no tendrán un discurso estructurado, no sabrán cómo exteriorizar sus emociones.
[De una entrevista al escritor francés Daniel Pessac, que acaba de publicar en Europa Mal de escuela, un libro autobiográfico que reabrió en su país el debate acerca de la educación. Allí, el novelista evoca el sufrimiento que padeció como alumno y su experiencia como docente. Entrevista completa: suplemento adn de La Nación, 4/10/2008. Se recomienda leerla. Link —>]

60 / Se fue Mauricio Kagel

Falleció hoy Mauricio Kagel, uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XX.
Kagel nació en Buenos Aires en 1931. Filósofo y músico, residía en Colonia, Alemania, desde finales de la década del cincuenta. Por esos años Colonia era la meca de la música en Europa, y pronto el músico se convirtió en un referente ineludible de la vanguardia. Así, poco tiempo después, el legendario compositor experimental estadounidense John Cage, decía sobre Kagel: “El mejor músico europeo es argentino”.
En 1969, Kagel se convirtió en director del Instituto de Nueva Música en la Rheinische Musikschule de Colonia y sucedió a Karlheinz Stockhausen al frente los Kölner Kurse für Neue Musik.
Antes de salir de la Argentina, Kagel contribuyó a fundar la Cinemateca Argentina, escribió artículos sobre cine y fotografía y piezas musicales para diversas películas.
Una de las características de sus composiciones es el humor “serio” y la original combinación de instrumentos y habilidades extramusicales que exigen. Por ejemplo, Torre de Babel, una de sus obras más conocidas, estrenada en 2003, constituye un trabajo coral para 18 voces y 18 idiomas distintos.
El trabajo de Kagel fue distinguido con numerosos premios en Europa entre los que se destacan el Premio Erasmus (1998), el Premio Ernst von Siemens de la Música (2000) y el Gran Premio Renano del Arte (2002).
En 2007 la Universidad alemana de Siegen le concedió un doctorado honoris causa.
Escuchar el arte de Kagel es un modo maravilloso de acceder al universo de la Forma.
La foto que acompaña esta entrada lo muestra en su estudio, componiendo.

59 / La Poesía visual de Edgardo Antonio Vigo

Escribe Vigo: Hacia un arte tocable que quiebre en el artista la posibilidad del uso de materiales “pulidos” al extremo de que produzcan el alejamiento de la mano del observador —simple forma de atrapar— que quedará en esa posición sin participar “epidermicamente” de la cosa. Via uso de materiales “innobles” y para un contexto cotidiano delimitador del contenido.

Un arte tocable que se aleja de la posibilidad de abastecer a una “elite” que el artista ha ido formando a su pesar, un arte tocable que pueda ser ubicado en cualquier habitat y no encerrado en Museos y Galerias.
Un arte con errores que produzca el alejamiento del exquisito.
Un aprovechamiento al máximo de la estética del “asombro”, via “ocurrencia” —acto primigenio de la creación — para convertirse— ya en forma masiva, en movimientos envolventes o por la individualidad —congruencia de intencionalidad—, en actitud.
Un arte de expansión, de atrape por la via lúdica, que facilite la participación activa del espectador, via absurdo.
Un arte de señalamiento para que lo cotidiano escape a la única posibilidad de lo funcional.
No más contemplación sino actividad.
No más exposición sino presentación. Donde la materia inerte, estable y fija, tome el movimiento y el cambio necesario para que constantemente se modifique la imagen.
En definitiva: un arte contradictorio.

Declaración, año 1968-69.

+ Imágenes de Vigo: http://www.cceba.org.ar/CatalogoVigo_04B.pdf

58 / Felisberto, Amalia, Petrushka

Cartas a Felisberto, la interesantísima exposición que inaugura hoy en la galería Jorge Mara-La Ruche (Paraná 1133), recorre la relación de Felisberto Hernández —el extraordinario escritor y músico uruguayo— con su segunda esposa, la artista plástica Amalia Nieto. Complicidad estética y afinidad intelectual marcaron la relación, que concluyó con el divorcio, en 1943. Amalia y Felisberto se habían conocido en 1924 y se casaron en 1937. El escritor murió de leucemia en 1964 y Amalia, a los 96 años, en 2003.
La muestra reúne más de cien trabajos de Amalia, partituras “intervenidas”, cartas y fotografías. El bellísimo catálogo de la exposición incluye un CD con grabaciones compuestas por Felisberto e interpretadas por su nieto, el pianista Sergio Elena Hernández.
Comenta Pablo Gianera (adn, 13/09) que en la vida de Felisberto Hernández hubo dos circunstancias que quedaron para siempre ligados a su actividad como pianista: “el descubrimiento de los Tres movimientos de Petrushka, la pieza de Igor Stravinski que Felisberto empezó a tocar en 1935, y, particularmente, la relación con Amalia Nieto, discípula de Joaquín Torres García, que añadió la dimensión gráfica como tercer elemento en discordia entre la música y la literatura, sus ocupaciones más eminentes.
Petrushka fue la obra maestra del período inicial de Stravinski (y la única que le gustaba a Arnold Schönberg, polo opuesto de la revolución musical del siglo XX). El compositor la estrenó con los Ballets russes de Sergei Diaghilev en 1911, y más adelante, hacia 1922, hizo por encargo de Arthur Rubinstein una reducción parcial para piano titulada Tres movimientos de Petrushka. Fue el propio Rubinstein quien se encargó del estreno rioplatense de la pieza. Felisberto tocó por primera vez la obra en Rocha, hacia octubre de 1935, y ofreció la segunda audición de la obra en el interior uruguayo, en el litoral argentino y el brasileño y, finalmente, en Buenos Aires, en el Teatro del Pueblo de la calle Corrientes, en diciembre de 1939. Esa actuación constituyó el punto más alto de su carrera como intérprete.
Para ese concierto, Amalia confeccionó un afiche promocional con uno de sus petrushkos , según la denominación que les puso el también pianista Sergio Elena Hernández, nieto de ambos, a las figuras que Amalia empezó a pintar en las cartas que le enviaba a Felisberto. Los petrushkos eran payasos, títeres de juguete en dos dimensiones. Observa Elena Hernández en su texto Acordes aplastados: ‘Amalia alentó mucho a Fesliberto para que estudiase Petrushka. Cabe entonces preguntarnos: ¿fue la música del propio Stravinski la que inspiró estos personajes-habitantes de sus cartas? ¿Fue la interpretación de Felisberto? ¿Fue el colorido del ballet, que Amalia había presenciado en París, la chispa que encendió la mecha? ¿O, por el contrario, Petrushka se adaptó espontáneamente a ellos siguiendo la línea magnética de una naturaleza común?’”.

57 / Synmetron en Córdoba

En el marco de las jornadas Synmetron 08, que realizó la ARS SEMA Córdoba, intervenimos con la lectura de un trabajo —Terra Ergodica— y con la acción Siete nudos para el concepto de forma: El curso de las cosas (foto).
Salió todo muy bien, inclusive el asado final en la sierras de Cabana. Gracias a los organizadores, nuestros colegas Edith Strahman, Lucía Castellano y Raúl Calvimonte, de la Universidad Nacional de Córdoba.

56 / Wittgenstein, el viernes 22 a la mañana

El viernes 22 de octubre a las 9 hs. proyectaremos Wittgenstein (1993), film de Derek Jarman, en el contexto del curso de Heurística. Aula 301, FADU. Están todos invitados.

Que un director como Derek Jarman (1942-1994) haga una película sobre el filósofo Ludwig Wittgenstein ya es toda una provocación (tanto como su Caravaggio, Oso de Plata en Berlin, 1986). A pesar de todas las provocaciones del director, éste ha acertado, en lo esencial, con la imagen que tengo del filósofo.
Es muy difícil hacer una película que no sea biográfica sobre un filósofo; es decir, una película que exprese su filosofía y no diversos acontecimientos sucedidos en su vida. Pues bien, Derek Jarman lo intenta y el actor Karl Johnson lo logra. Así, personas que conocieron a Wittgenstein aplaudieron al final de la película la recreación hecha por el actor. El film de Jarman muestra muchos aspectos de la vida de Wittgenstein, incluyendo su peculiar manera de dar clases (por ejemplo, aceptaba muy pocos alumnos , y todos por él conocidos, hasta el punto que constituían más un grupo cerrado que una clase universitaria normal).
La película de Jarman no es “realista”, no es documental, no tiene ilación, y casi nunca los actores representan escenas cotidianas. El vestuario es exagerado. La música es excelente y el color y la fotografía muy bueno. Un conjunto autónomo de escenas aparentemente deshilvanadas y que sin embargo ofrecen un panorama muy coherente de un filosofar que pretende demoler la filosofía como disciplina propia. Para quien se interesa por la filosofía de Wittgenstein y ya tiene nociones de ella; así como quién conoce algunos acontecimientos importantes de su vida y puede identificar el papel que en ella jugaron personajes como Bertrand Russell, lady Ottoline Morrel o el mecenas de Wittgenstein: Maynard Keynes.
El director Derek Jarman ha sido un importante defensor de la causa homosexual en Gran Bretaña. Falleció de SIDA. Wittgenstein es su última película.

55 / Lectores x De Certeau

“Los lectores son viajeros: circulan sobre las tierras del prójimo, nómadas que cazan furtivamente a través de los campos que no han escrito”. [Michel De Certeau]

54 / Anuario, II

Trabajo 2007 seleccionado para el anuario de Morfología FADU [M1: alumnos Cerdeira / Risoli / Olivo / Kimsa / Leoz / Girolimetto / Maestrilli]

53 / Anuario, I

Trabajo 2007 seleccionado para el anuario de Morfología FADU [M2: alumnos Cueto + Horn]

52 / Calveyra

Anochece, cierran.
Años de tantas noches.
Ni tampoco en la página donde vanamente te he buscado.
Tu llamado irrumpió en mi sueño
como el grito de alguien
al que arrancan al tiempo sucesivo.
¿Por qué no vienes a aliviar tu vejez en un jardin?
¿ser los dos de unas tardes retiradas?
¿Ir ya por más oscuro que el jardin?
Levantarán las tres capas de silencio y se verá el campo, el campo, el campo.

En algún Estado de la vaca escribimos: “Todo en Calveyra es infancia. Todo en él paisaje. Ambos abismados y lo mismo: origen del mundo, la presencia de la luz, suspendida para siempre sobre el antiguo litoral de las pequeñas flores y los grandes árboles, el río que el mismo Calveyra una vez abandonó, recuperado por la palabra extensa. Así, las historias del campo: tiempo errante de las tardes de verano, lluvia demorada, el lentísimo movimiento de la vida pueblerina derramada en la infancia del paisaje y en el paisaje de la infancia.”
Una muy buena noticia: editado por Adriana Hidalgo y con una extraordinaria fotografía en la cubierta apareció el volumen que reúne su obra poética. Absolutamente imperdible.

[Arnaldo Calveyra (1929, Entre Ríos) es poeta, novelista y dramaturgo. Vive en París desde hace más de cuarenta años. En los '70 trabajó con el director de teatro Peter Brook. Entre otros textos, ha publicado Diario del fumigador de guardia, La cama de Aurelia, El origen de la luz y Cartas para que la alegría.]

51 / Escribo lo que no sé

“(...) Al escribir me estoy diciendo algo de lo que curiosamente, no tenía un conocimiento previo. Cuando hace algunos años un amigo interrogaba a Franz Kline con cierta intensidad, éste finalmente le respondió: ‘Bien, mira, si yo pinto lo que tú sabes, simplemente te aburriría, la repetición de mí en ti. Si pinto lo que yo sé, sería aburrido para mí. En consecuencia, pinto lo que no sé’. Y asimismo, yo escribo lo que no sé.” Comentario del poeta estadounidense Robert Creeley (1926-2005) Creeley, junto con Charles Olson, formó parte del grupo de poetas del Black Mountain College.

50 / Los placeres de la puerta

Los reyes no tocan las puertas. Ellos no conocen esta dicha: empujar ante sí con suavidad o rudeza uno de esos grandes paneles familiares, volverse hacia él para colocarlo de nuevo en su lugar, tener entre sus brazos una puerta... la dicha de empuñar por el vientre, por su nudo de porcelana, uno de esos altos obstáculos de una pieza; ese cuerpo a cuerpo rápido mediante el cual, detenido el paso un instante, los ojos se abren y el cuerpo todo se acomoda a su nuevo apartamento. Con una mano amistosa, él la retiene todavía, antes de empujarla decididamente y encerrarse, de lo cual el ruido del resorte poderoso pero bien aceitado agradablemente lo asegura.

[Francis Ponge, “Los placeres de la puerta”, en De parte de las cosas. Imagen: FP x Jean Dubuffet]

En sendos y oportunos mails, G y San (www.sansensei.blogspot.com) recuerdan esta semana a uno de los grandes poetas franceses del siglo XX. Francis Ponge (1899–1988). De parte de las cosas, fue publicado por Gallimard en 1942, durante la ocupación nazi, y fue traducido por el venezolano Alfredo Silva Estrada por primera vez al castellano (Monte Avila, 1971). El título en francés —Le parti pris des choses, “tomar el partido” de, por las cosas— sugiere por lo menos seguir tres caminos: en primer lugar tomar su partido es ponerse del lado de ellas; es también hablar desde su punto de vista –y no del sujeto—. Finalmente —contra el idealismo y la representación, afirma Juan Sasturain en una vieja nota de Página/12—, es resignarse a ellas, a su materialidad infranqueable.

49 / Clima W.

Bertold Brecht: “Bajo lo familiar, descubra lo insólito, bajo lo cotidiano, devele lo inexplicable. En la regla, descubra el abuso.”

48 / Ubú rey

[Continuará]

47 / Patafísica básica

Alfred Jarry: “La Patafísica es la ciencia de las soluciones imaginarias que concede simbólicamente a los lineamientos las propiedades de los objetos descritos por su virtualidad”.
“La Patafísica es la ciencia de lo que se sobreagrega a la metafísica, ya sea en sí misma, extendiéndose tanto más allá de ésta como ésta más allá de la física. Ejemplo: dado que el epifenómeno es a menudo el accidente, la Patafísica será sobre todo la ciencia de lo particular, aun cuando se diga que sólo hay ciencia de lo general. Esta estudiará las leyes que rigen las excepciones y explicará el universo suplementario a éste; o menos ambiciosamente describirá un universo que se puede ver y que quizá se debe ver en lugar del tradicional, dado que las leyes que se ha creído descubrir del universo tradicional son también correlaciones de excepciones —aunque más frecuentes— , en todo caso de hechos accidentales que, reduciéndose a excepciones poco excepcionales, no tienen incluso la atracción de la singularidad”.

46/Admirable Viktor Ullman

“Terezin fue y es para mí la escuela de la forma. Antes, cuando no se sentían la violencia y el peso de la vida cotidiana, era sencillo crear la bella forma. Aquí (...) donde todo lo relacionado con las musas se presenta en directo contraste con el entorno está la verdadera escuela magistral, si se actúa con la idea de Schiller: vencer al contenido a través de la forma.”
[del músico Viktor Ullman, que compuso muchas de sus más importantes obras (incluida la ópera de cámara El emperador de la Atlántida) en el campo de concentración de Terezín, antes de ser deportado a Auschwitz, donde murió.]